从成都的艺术启蒙，到美国罗德岛设计学院的求学探索，跨媒介艺术家林子焱凭借对多元媒介的探索，将作品带向了中外多个重要展场——美国普罗维登斯的盖尔曼画廊、罗德岛设计学院博物馆，中国北京树美术馆、成都许燎源当代美术馆，以及河北阿那亚黄金海岸的阿那亚戏剧节 “候鸟300” 项目，每一次展出都是她艺术理念的实践。

启蒙与求学

林子焱与艺术的缘分，始于五岁时妈妈带她走进的成都少年宫绘画兴趣班。“每周一次的绘画课，不是任务，更像一种习惯——从蜡笔涂鸦到水彩写生，把脑子里的想法变成可见画面，特别有成就感。”

童年的系统艺术接触，让她养成观察与创造的习惯，成都地域文化也悄悄塑造着她对 “材料与表达” 的认知：看川剧留意水袖摆动与脸谱色彩，路过蜀绣作坊观察丝线图案，这些让她隐约觉得不同事物的 “语言” 可相互补充，为跨媒介探索埋下种子。

中学时，一位美术老师的话让她对 “跨媒介” 有了明确思考：“媒介不是简单的工具，而是你理解世界、表达想法的不同角度。” 当时她既画素描，又爱用黏土、纸板做手工，此后便主动融合媒介，逐渐打开艺术形式认知边界。

为追寻更独特的艺术表达，林子焱远赴美国罗德岛设计学院攻读美术学士。初到普罗维登斯，文化差异带来的 “不安” 成了创作素材，“有观众说能从作品里感受到‘身份漂浮’的共鸣，这让我意识到跨文化思考的价值”。

威廉老师 “专业标签不是束缚，创造力最珍贵” 的点拨，让她摆脱专业纠结，将家具设计的结构思维与装置艺术结合，创作《边界之外》系列并在盖尔曼画廊展出，更坚定了跨媒介方向。

创作与实践

海外求学期间，林子焱的作品已在普罗维登斯的专业场馆崭露头角。和同学一起共创的罗德岛设计学院博物馆的展览项目《源自__》，用跨文化素材传递身份思考。

回国后，她的作品更贴近本土生活，走进北京、成都、河北等地展场。2025年北京树美术馆 “玩儿闹” 展，她打造《自画像》；2024年成都许燎源当代美术馆 “创意!青年展”，她用蜀绣丝线与金属支架创作《市井切片》，呈现市井场景，“想让观众看到市井生活的柔软与韧性”。

2024年阿那亚戏剧节 “候鸟300” 项目，她的《潮语》成为高光作品。3.5米长的玻璃钢海螺装置，融合肢体表演与音乐，创作中却因海边天气屡遇挑战：强风掀翻模型，高湿度影响材料固化，团队每天凌晨调整方案。

暴雨天里，一家三口钻进海螺避雨的场景，让她顿悟作品意义：“它不只是展品，更是庇护所。” 展出时，观众弹吉他、轻声对话，“艺术从‘被观看’变成‘共参与’，这是最珍贵的收获”。

平衡与展望

如今，林子焱仍在艺术学习与创作实践间寻找平衡。跨媒介创作往往需要数月时间打磨。从概念构思到材料测试，再到作品落地，每个环节都不能马虎；而专业学习任务有固定的节点与要求，两者的冲突成了常态。

“刚开始总觉得时间不够用，既想把作品做得更精细，又怕耽误学习进度。” 后来，她摸索出了适合自己的节奏：“不把日程表排得太满，每周留两天专注于专业课程与学习任务，其余时间泡在工作室推进创作；遇到思路瓶颈时，就去逛菜市场、走老街区，从日常烟火气里找灵感。”

对于想走 “跨媒介跨文化” 道路的年轻创作者，尤其是女性创作者，林子焱分享了三点具体建议：“第一，不急于定义自己。跨媒介的本质是打破边界，我之前也纠结过专业方向，但正是不被‘单一领域’的标签束缚，才找到适合自己的表达路径；第二，与不确定共处。不同文化环境带来的认知冲击、创作中的迷茫都是常态，这种‘不适感’反而会迫使你向内探索，而探索过程往往能催生独特的艺术想法；第三，保持生活感。不用总想着‘创造宏大作品’，日常里的一次聊天、一场雨、一条老街，都可能成为创作素材——我在北京、成都的展览作品，灵感就来自这些生活里的细微观察。”

谈及未来，林子焱说：“艺术是连接自我与世界的桥梁。我想继续探索东方哲学和文化与跨媒介的结合，把家乡文化带到海外，也把海外经验带回国内，让不同文化、媒介在作品里对话。” 从成都到普罗维登斯，从画廊到海滩，林子焱的艺术之路，始终以打破边界、传递共鸣为初心，在跨媒介的世界里持续生长。