中国瓷器是中华文明的瑰宝，其美感、历史和文化内涵被无数散文家赞颂，从《青花瓷》中描绘的幽蓝意境，到“China”即是“瓷”的全球认知，都体现了它连接过去与现在、承载匠心与哲思的独特魅力，它们是流动的诗，是凝固的画，是跳动的音符，更是中国人对美的极致追求。

中国的陶瓷历史非常悠久，最早的陶器可追溯到一万多年前的新石器时代（如江西仙人洞遗址的陶罐），而成熟的瓷器则诞生于东汉时期（约2000年前），中国是发明和生产瓷器的国家，因此“中国陶瓷”有超过10000年的历史，其中瓷器部分有约2000年，是中华文明的重要组成部分。

中国陶瓷经历了数千年的技术革新，发展出唐三彩、白瓷、青瓷、青花瓷、五彩等种类繁多的陶瓷工艺。

中国瓷器不仅在古代宫廷中大量被使用，从东南沿海里发现的南宋古沉船中，可以发现当时陶瓷器已经被作为主要贸易品之一，并出口至亚洲、伊斯兰文化圈、以及欧洲各国，其对中国的象征意义，可与丝绸齐名。中国陶瓷的工艺也在悠久的国际贸易中逐渐转播到全球各地，对世界陶瓷生产技术的发展产生了深远的影响。

中国陶瓷的巅峰时刻在宋代（追求意境与典雅）和清代康乾盛世（技术与工艺的集大成者），这两个时期代表了中国陶瓷在不同维度上的极致成就。宋代陶瓷以汝、官、哥、钧、定等名窑的单色釉和素雅风格，展现出文人审美与自然之美；而清代景德镇的康熙、雍正、乾隆时期，则在青花、粉彩、珐琅彩等品种上达到技术和艺术的顶峰，工艺复杂精美，产量巨大。

宋代：意境与典雅的极致

背景：北宋文人地位提高，经济繁荣，社会文化高涨，为瓷器发展提供沃土。

特点：追求“天人合一”的审美，以清新秀丽、典雅优美的单色釉瓷器为主。

代表：汝窑的雨过天青、官窑的开片、定窑的白瓷、龙泉窑的青瓷等，风格各异但都极致精美。

清代（康乾盛世）：技艺与彩绘的巅峰

背景：国家稳定，景德镇成为全国陶瓷中心，官窑（御器厂）技术精湛，民窑也蓬勃发展。

特点：彩瓷技术大爆发，粉彩、珐琅彩等工艺成熟，画面细致如画，釉色丰富多变，集前代之大成。

代表：康熙、雍正、乾隆三朝，青花、五彩、粉彩、珐琅彩瓷器，造型多样，装饰繁复精美。

其他重要时期

元代：青花瓷的诞生与大规模出口，成为国际市场热销品。

早期蓝白瓷器，约1351年，95号馆

元代，95号馆

明代：景德镇成为中心，青花瓷和彩瓷生产繁荣，外销瓷贸易兴盛。

因此，要说“巅峰”在何时，取决于衡量标准：如果看审美意境和素雅之美，宋代是巅峰；如果看技术复杂度和彩绘工艺的综合成就，清代康乾时期是当之无愧的巅峰。

大英博物馆中国瓷器馆（95号馆）是一部立体的、用实物写就的中国陶瓷史诗。它不仅能让你欣赏到每个时代最顶尖的工艺成就，更能透过瓷器，看到中国社会的变迁、审美的演化以及与世界千年不绝的对话。对于任何一位艺术爱好者和历史追寻者来说，这里都是一生必访的圣地。

火与土之间：中国瓷器的审美秩序

中国瓷器，并非单纯的器物史，而是一部关于秩序、自然与人心的审美史。

在火与土之间，中国人用千年的时间，逐渐回答一个问题：

器物，究竟应当像什么？

答案，在宋代第一次变得清晰。

一、宋瓷：把自然请进器物之中

宋人不以繁胜，不以巧炫。

他们相信，美不在装饰，而在气息。

于是，瓷器不再模仿青铜的庄严，也不再追逐金银的炫目，而是转向山川、云雾、冰裂与天色本身。

大英博物馆中国瓷器馆（95号馆）美图：

汝窑：天青一色，万籁俱寂

汝窑的历史极短，存世不过二十余年，却成为中国瓷史的最高象征。

“雨过天青云破处”，

并非描写颜色，而是描写气候与时间的瞬间。

汝瓷之美，不在亮，而在润；

不在显，而在藏。

那是一种接近玉、却不模仿玉的温度——

仿佛天空被悄然收藏。

它成为五大名窑之首，并非因稀有，

而是因它最接近宋人心中的理想世界。

上篇有介绍

官窑与哥窑：裂纹成为秩序

官窑与哥窑，器型相近、工艺相通，却共同完成了一次重要的审美转向——

缺陷被承认为美。

所谓“金丝铁线”，

并非人为描绘，

而是釉与胎在冷却过程中自然分离的痕迹。

在宋人眼中，这不是破裂，

而是时间留下的纹理。

官窑更为端正、内敛，如朝堂秩序；

哥窑更为密集、自由，似山石冰裂。

它们共同表达的，是一种极为东方的审美判断：

世界不必完美，但必须真实。

钧窑：火的自由意志

钧窑是宋瓷中最不受控制的一支。

釉色在火中流动，

天蓝、月白、玫瑰紫、海棠红，

没有两件完全相同。

“入窑一色，出窑万彩”，

不是技法炫耀，

而是对偶然性的礼赞。

官钧用于宫廷陈设，气度凝重；

民钧流入世间，更显奔放。

那句民谚——

“纵有家财万贯，不如钧瓷一片”

真正珍贵的，不是价格，

而是不可复得的瞬间。

南宋时期的球茎碗，约13世纪

定窑：白色，改变了生活

定窑的伟大，并不张扬。

它的意义，在于让瓷器

真正进入日常生活。

成熟的白釉、高效的覆烧、刻花与印花的结合，

使瓷器从少数人的案头，

走向寻常百姓的餐桌。

定窑的白，

不是空无，

而是一种秩序感。

从此，中国人的饮食、茶事、起居，

开始拥有统一而洁净的器物语言。

二、明清瓷器：从自然走向极致控制

如果说宋代，是让自然进入瓷器，

那么明清，则是让技术完全服从审美与权力。

官窑制度成熟，

皇帝直接参与审美判断，

画师、匠人各司其职，

瓷器进入高度系统化的时代。

明代青花，将中国水墨语言固定在瓷器之上

线条果断，布局宏阔，

成为中国瓷器最具世界影响力的品类。

斗彩：文人之器

成化斗彩，以细腻取胜。

釉下与釉上结合，色彩清雅，

不求壮观，只求分寸。

它代表着文人审美在宫廷中的一次胜利。

粉彩与珐琅彩：极致之美

清代粉彩柔和如画，

珐琅彩则是皇权审美的顶点——

体量小、工序繁、材料昂贵。

它们不再追求自然，

而追求完美的可控性。

一片幽蓝，冷冷清清，却又蕴含着殷实的底气，它隔绝了喧嚣的外部世界，让人沉溺于它的静美，体会到“瓷实”的安宁与满足。

在青花瓷面前，新事物黯然失色，它耐得住千年岁月，见证几代人，最终被小心翼翼地珍藏，它让“古代”走近你，让你能活在瓷器的时间里，不愿出门，只愿与之对语。

青花瓷的蓝白世界，仿佛把古老的历史请到了眼前，月光下，它不是冰冷物，而是有呼吸、有梦境的宫女，怕夜色将它带走，又盼在梦里与古人相遇。

从北宋汝瓷的“雨过天青”到明清的繁复彩瓷，每一件瓷器都是火焰与泥土的炼金术，是匠人智慧与耐心的结晶，承载了中国数千年的制陶技艺和审美情趣。

抚摸一件瓷器，就像触摸历史的脉搏，它的温润、它的釉色、它的纹样，都在无声地诉说着那个时代的风土人情与审美风尚。

站在展厅尽头回望，这些跨越千年的瓷光仿佛仍在流动。它们曾从中国工匠的指尖诞生，沐浴过东方的晨露与窑火，又在历史的波澜中远渡重洋。大维德爵士的慧眼与慷慨，大英博物馆的守护与呈现，最终让这份美成为此刻我们共有的呼吸——它不再仅是玻璃后的陈列，而是连接着过去与此刻、东方与西方的灵犀。

或许真正的文明从来不会真正失散。这些瓷器在异国的聚光灯下所绽放的，依然是华夏山河与匠心的温度；而我们在凝视中拾取的，也不仅是审美的震撼，更是一种确认：美在懂得珍惜的眼睛里，永远能找到故乡。

三、回望：瓷器之美，终归是人的选择

从宋到清，

中国瓷器完成了一次完整的循环：

宋代：尊重自然

明清：掌控自然

前者宁静，

后者辉煌。

而真正动人的，

或许仍是宋瓷那一刻的低声细语——

在火焰熄灭之后，

留下的天青、裂纹、窑变与白色。

它们不是炫技，

而是对世界的理解方式。

文、图片编辑︱潘天翠

图片源自视频截图及其它英文及中文网站